Anatomie d'une chute

Le film aurait pu s’appeler dissection d’un couple car cette chute est autant celle d’un corps que la déliquescence de deux êtres qui se sont un jour aimé et qui n’éprouvent plus que haine et rancœur l’un pour l’autre, le constat amer et implacable d’une vie rongée par la frustration et la culpabilité. 

Film de procès, enquête et chronique des ravages du temps sur les sentiments partagés et l’urgence de la création, le nouveau long métrage de Justine Triet met à nu les relations complexes entre un homme et une femme suffisamment amoureux pour concevoir un enfant, à moins qu’ils ne chérissent à travers l’autre le reflet de leur propre vanité, un égo un peu vain dont il ne reste plus qu’un champ de ruines. 

Dés la scène d’introduction la réalisatrice choisit un prisme sensitif pour raconter son histoire dont les multiples points de vue passeront forcément par une approche visuelle, tactile ou auditive. Justine Triet débute son film par une éprouvante interview interrompue par une musique agressive et tellement envahissante qu’il faudra mettre fin à l’entretien. La tension s’installe et ne nous quittera plus tout au long de ces deux heures trente de relations conflictuelles d’abord sous-jacentes, et de non-dits entre Sandra et Samuel. Et il s’agit bien de mots puisque les deux amants ne se touchent plus depuis l’accident qui a failli couter la vue à leur fils Daniel. 

Des mots encore lors d’une éprouvante et spectaculaire scène de dispute retranscrite sur un enregistrement audio, des paroles qui mèneront à des actes violents, inéluctables et sans retour possible en arrière. De plaidoiries en témoignages, le film avance d’un pas dans la résolution de l’enquête et recule de deux lors de l’audition de témoins indirects puisque la seule personne présente lors du drame était Daniel dont la vue déficiente et son déchirement entre ses deux parents le cantonnent à une interprétation des faits et une nécessaire bien que douloureuse prise de position. N’oublions pas non plus la présence du chien Snoop qui, s’il n’est pas amené à témoigner, contribuera bien malgré lui à l’avancée de l’enquête. 

Dissection d’un couple donc, mais aussi et surtout réflexion sur la responsabilité de nos choix (celui de Daniel, celui des jurés), Justine Triet signe un film captivant et d’une maitrise totale en jouant sur l’inversion des genres (celui qui réussit dans le couple, celui qui est violent n’est pas forcément l’homme), une bande son intelligemment travaillée et une approche singulière de la place de la caméra (les scènes vues à hauteur du chien). 

Anatomie d’une chute réussit le pari de nous captiver pendant deux heures trente, de bousculer nos certitudes et nous laisse interrogateur sur le dénouement d’une affaire aux nombreuses parts d’ombre. Sans aucun doute la marque d’un grand film.

Ninja Turtles : Teenage Years

En ramenant le titre original (Teenage Mutant Ninja Turtles) au simple Ninja Turtules (les Tortues Ninja), la traduction française fait l’impasse sur ce qui fait l’essence même du film d’animation développé par Seth Rogen et réalisé par Jeff Rowe et Kyler Spears. 

Teenage Mutant Ninja Turtles donc. 

C’est bien autour des axes narratifs Adolescence + Mutant que s’articule cette nouvelle adaptation des héros créés par Kevin Eastman et Peter Laird en 1984 et qui revisite la genèse de Leonardo, Donatello, Michelangelo, Raphaël et de leur père adoptif, le rat Splinter. 

Teenage pour l’illustration de ce désir d’être unique tout en se fondant dans la masse connectée par les réseaux sociaux et d’être accepté par ses pairs. 

Mutant pour cet éternel antagonisme entre des êtres différents dotés de pouvoirs exceptionnels et des humains tour à tour enviés, craints ou haïs. 

Ninja pour des scènes d’actions sans temps morts contre des délinquants de bas étage dans un garage confiné ou un monstre gigantesque dans les rues de New York. 

Turtles enfin pour cet aspect hors norme qui donne lieu à des gags tour à tour hyper référentiels ou gentiment régressifs mais toujours réussis. 

Porté par une animation dynamique qui emprunte à différentes techniques et louche constamment sur le street art, boosté par une bande son exceptionnelle et d’une générosité sans temps mort, Ninja Turtles : Teenage Years enchaine les clins d’œil référentiel (Mad Max, X-Men, Godzilla, l’Attaque des Titans pour ne citer qu’eux) sans jamais sombrer dans le fan service et se conclut par une un hommage appuyé à la mythique solidarité new-yorkaise dans les situations les plus critiques. 

Après Spiderman : across the Spider-verse, Ninja Turtles : Teenage Years prouve une fois encore que le véritable cœur des comic book bat du côté d’une animation débridée, imaginative et d’une inventivité qui devrait laisser songeur des exécutifs de chez Marvel et DC réunis. 

Barbie

Tout commence en 1959 et la commercialisation par Mattel de l’une des premières poupées adultes, cheveux blonds et corps stéréotypé, tellement symbolique d’une certaine conception de la féminité de l’époque qu’elle devient peu à peu l’image même de la standardisation du corps des femmes pensé par des hommes. 

Icône et modèle pour des millions de petites filles pendant des générations entières, cible de prédilection pour les féministes du monde entier, Barbie ne pouvait, de part son passif, que faire son entrée dans le monde de la Pop Culture. Cela commence en 1997 par la chanson Barbie Girl du groupe scandinave Aqua, puis par l’incursion remarquée de la célèbre poupée et de son copain Ken dans l’univers de Toy Story en 2010. 

Le projet de Greta Gerwig n’a donc rien de complètement novateur, si ce n’est de mettre Barbie au cœur même d’une aventure qui lui est dédiée et, dans une approche méta, de la confronter à ses propres créateurs et plus généralement au monde réel où elle n’est sensée exister que sous la forme d’une poupée de plastique. 

Qualifié tour à tour de pamphlet féministe ou de publicité à peine déguisée pour la firme Mattel, le film de la réalisatrice de Lady Bird échappe à ces stéréotypes et tente tant bien que mal d’exister pour ce qu’il est, une déclaration d’amour sincère bien que parfois maladroite à la célèbre poupée et une comédie décalée qui oscille constamment entre humour irrévérencieux et discours finalement bien sage sur la place des femmes et une certaine conception de leur émancipation. 

Le film démarre plutôt bien par une incursion dans le monde de Barbie et Ken régi par ses propres règles, celles d’un univers rose bonbon rythmé par des soirées girly et des chorégraphies sur fond pastel. Jusqu’à ce qu’un grain de sable ne vienne perturber ce bel ensemble et incite Barbie à quitter son confort illusoire pour se confronter au monde réel. 

Gentiment corrosif jusqu’à sa confrontation avec le staff de chez Mattel et ponctué de gags vraiment réussis (la découverte du patriarcat par Ken, la découverte par Barbie de l’image qu’elle renvoie aux hommes), l’histoire bascule alors dans une seconde partie interminable et plutôt convenue jusqu’à un final qui laisse songeur sur la conception de la féminité par celle qui incarnait autrefois l’image même de la femme pour les petites filles du monde occidental (en gros avoir ou ne pas avoir de vagin). 

Surfant sur un discours féministe d’une simplicité qui frôle la caricature (les hommes et les femmes intervertissent leurs rôles et prennent ainsi conscience de la place de l’autre), Barbie manque de peu le brulot punk et girl power qu’il aurait pu, qu’il aurait dû être, et on ne peut qu’imaginer avec un brin de nostalgie le film qu’en aurait tiré un John Waters période Pink Flamingos.