Immaculée

Le personnage de la nonne, au même titre que les soldats nazis ou les prisonniers, fait l’objet d’un sous genre à part entière du cinéma d’exploitation qui connut son zénith dans les années 70 à 80 en Europe et au Japon. 

C’est donc dans la lignée de la nunsploitation et son cortège de passages obligés (nonnes inquiétantes, couvent austère, châtiments corporels, imagerie chrétienne) que Michael Mohan situe son nouveau film. Mais s’il exploite à fond les codes du genre er tire le meilleur parti de ces lieux cloitrés dissimulant les secrets les moins avouables, le réalisateur américain ne se cantonne pas pour autant au film d’épouvante standard ponctués par les habituels jump scares. 

D’une durée salutaire d’à peine une heure trente, Immaculée dénote des productions actuelles par un montage aussi discret qu’efficace qui déroule habilement son histoire sans aucun temps mort. 

Incarnés par une pléiade d’actrices impeccables (seul Alvaro Morte semble se contenter du minimum syndical), les personnages déambulent dans des couloirs sombres où les portes claquent et les planchers grincent en plein milieu de la nuit. Mais malgré quelques effets convenus destinés à faire sursauter le spectateur à un rythme de métronome, Immaculée ne sombre que rarement dans la facilité et se hisse au-dessus des films d’horreur habituel par une réalisation et une direction d’acteur maitrisées de bout en bout. 

Gentiment anticlérical à ses débuts, le film sombre dans sa dernière demi-heure dans une rage nihiliste qui nous laisse pantois et haletant, souffrant avec une héroïne hissée bien malgré elle au rang d’icone féministe pourfendeuse de l’autorité ecclésiastique. 

De son prologue jusqu’au dénouement final, Immaculée tient les spectateurs en haleine et s’impose dés à présent comme l’une des meilleures surprises horrifiques de ce début d’année.

Dune Partie 2

En 2021 Denis Villeneuve faisait le pari un peu fou d’adapter le roman tentaculaire de Franck Herbert sur grand écran. Malgré des impasses narratives inévitables (le mythe de l'ordre du Bene Gesserit n’est par exemple qu’effleuré), ce premier film évitait les écueils d’une exposition trop scolaire tout en posant les bases de la mythologie et de la chute de la maison Atréides. 

Trois plus tard le réalisateur canadien nous embarque de nouveau sur Arrakis en compagnie de Paul Atréides et de sa mère Lady Jessica qui voit en son fils le nouveau messie. Elle n’est pas la seule et le survivant de la maison Atréides va se retrouver à la croisée des chemins, déchiré entre ses aspirations personnelles et une destinée hors du commun. 

Spectacle de haut vol porté par la musique de Hans Zimmer, Ce deuxième volet embrasse à bras le corps les thèmes chers à Franck Herbert parmi lesquels le pouvoir des religions et les mécanismes du fanatisme sont les plus intéressants. 

Entre pouvoir et responsabilité, l’auteur et à travers lui le réalisateur interroge les arcanes du pouvoir et la manipulation des foules (« annoncez leur la venue d’un messie et ils l’attendront pendant des siècles » proclame Chani dont la supposée clairvoyance s’oppose frontalement à l’emprise de la mère de Paul et sa propension à semer les graines du fanatisme). 

Space opéra réjouissant malgré la multiplicité des personnages et des intrigues, la saga Dune pensée par Denis Villeneuve réussit le pari d’allier spectacle total et réflexion pertinente sur la naissance et les dérives d’une religion.

Sleep

L’ennemi intime. Depuis que son mari est sujet à des crises de somnambulisme, Soo-jin ne dort plus. De comportements étranges à des pulsions suicidaires, Hyun-su devient dans son sommeil un étranger au sein de son propre foyer, un inconnu de plus en plus menaçant pour sa femme, son chien et bientôt leur nouveau-né. 

Entre les impasses de la médecine et la tentation de l’occulte, Soo-jin se sent peu à peu basculer dans une angoisse irrépressible dont elle ne perçoit pas l’issue pour elle et sa famille. 

Grand prix du dernier festival international du film fantastique de Gérardmer, le premier film du coréen Jason Yu entremêle adroitement les codes de la comédie grinçante voire franchement morbide proche du Parasite de Bong Joon-ho dont il fut par ailleurs l’assistant, et le film de pure épouvante plongeant ses racines dans le home invasion et le récit de fantôme indissociable de la culture asiatique. 

Métaphore d’un couple au bord de l’explosion et d’un pays divisé depuis des dizaines d’années, Sleep alterne les séquences de jour et de nuit, basculant d’un portrait en creux de la classe moyenne coréenne à une ambiance inquiétante quand l’être aimé se mue en menace mortelle. 

Habilement mené et porté par deux acteurs incarnés dont le regretté Sun-kyun Lee récemment décédé et à la mémoire duquel le film est dédié, Sleep aurait gagné en puissance à conserver cette ambiguïté sur laquelle repose une grande partie de l’intrigue sans proposer au spectateur une explication trop évidente. 

Jason Yu signe un premier film parfaitement maitrisé et demeure l’une des figures montantes d’un cinéma coréen décidemment plein de promesses.

Amelia’s Children

Si on ne pense pas forcément au Portugal quand on évoque le cinéma fantastique européen, le nouveau film du réalisateur Gabriel Abrantes s’est néanmoins fait remarquer au trente et unième festival de Gerardmer en remportant le prix du jury exæquo avec le franco-belge En attendant la nuit.

Et c’est bien dans la grande tradition des films horrifiques les plus classiques (demeure mystérieuse, malédiction familiale, sorcellerie, villageois hostiles) que se situe cette plongée en enfer pour Ed, jeune new-yorkais orphelin depuis sa naissance lorsqu’il découvre sa nouvelle famille au fin fond du Portugal. Après l’émoi des retrouvailles, sa petite amie Ryley commence à trouver sa nouvelle belle mère et son beau frère vraiment flippants. Et pour cause. 

S’il utilise toutes les ficelles des codes horrifiques, Gabriel Abrantes n’en oublie pas moins d’instiller une bonne dose de perversion dans cette histoire de quête de jeunesse éternelle sur fond d’inceste et de sacrifice d’enfant. 

Pression psychologique avec une montée en tension efficace et horreur physique lorsque l’on découvre cette figure maternelle défigurée par la chirurgie esthétique (le pendant moderne et sarcastique des sacrifices de vierges pour rester éternellement jeune), Amelia’s Children joue surtout avec une inversion des rôles pour prendre le spectateur à contre-pied. Témoin cette scène d’introduction où le véritable danger ne vient pas forcément de là où on l’attend, et le duo Ed et Ryley dont les stéréotypes masculins et féminins s’inversent continuellement (Ed est sujet à des crises de panique et passe son temps à être secouru tandis que sa fiancée endosse le rôle de l’héroïne qui pète des genoux à coups de marteau). 

Malgré un déroulé un tant soit peu prévisible, une réalisation convenue et quelques zones d’ombres dans le scénario, Amelia’s Children n’en demeure pas moins un film d’angoisse efficace qui explore avec une certaine impertinence les sentiers battus d’un genre horrifique qui ne demande qu’à se renouveler.

Iron Claw

Il n’y a pas de malédiction mais une terrible tragédie, celle des frères Von Erich, catcheurs de père en fils soumis au joug d’un patriarche autoritaire et frustré qui voit en sa descendance la dernière occasion de ramener la ceinture du championnat du monde à la maison. 

Car The Iron Claw, la griffe de fer, c’est à la fois la prise emblématique de cette fratrie sur le ring que la mainmise d’un père toxique dont la soif de revanche sur une vie sans concession les conduira tous à leur perte. 

Pour incarner ce concentré d’histoire américaine, Sean Durkin met en scène des corps huilés et musclés à outrance offerts à des spectateurs avides de personnages iconique, des corps que l’on pousse dans leurs derniers retranchements et qui cassent en premier. Maladie, accident, perforation, fracture, ce sont bien les corps qui demandent grâce, juste avant que l’esprit ne bascule à son tour à la recherche d’un havre de paix qu’il ne trouvera que dans la mort. 

Réussite à tout prix, religion aveugle et armes à feu, The Iron Claw résume à lui seul tout un pan de la culture américaine dans ce qu’elle a de moins reluisant. Entre l’aveuglement d’une mère et l’acharnement d’un père, le film déroule son implacable trame avec une constante tension sous-jacente jusqu’à ce que le vernis finisse par craquer. 

Remarquable de maitrise et de retenue, la réalisation de Sean Durkin s’attache au plus près à ses personnages, les faibles comme les forts, des plus odieux aux plus touchants sans jamais tomber dans le pathos excessif ou l’apitoiement facile. 

Il n’y a pas de malédiction mais une masculinité toxique, un culte de l’effort poussé à son paroxysme et pour finir un dernier plan lumineux sur la famille de celui qui aura su briser le cercle et inculquer d’autres valeurs à ses propres enfants.

Godzilla Minus One

En 1947 le Japon se remet difficilement d’un double traumatisme. L’impact de deux bombes nucléaires sur les villes de Hiroshima et Nagasaki et la honte nationale d’une reddition qui met fin à la Seconde Guerre Mondiale. Sans compter une tutelle américaine humiliante qui interdit au pays toute défense armée et qui, contrairement à l’Allemagne, l’empêchera de tourner durablement l’une des pages les plus sombres de son histoire. 

Ces deux blessures béantes sont symbolisées dans ce nouvel opus du plus célèbre des Kaijū par les deux personnages principaux. Le premier est Koichi, un kamikaze hanté par une double trahison lorsqu’il refuse de se suicider aux commandes de son avion et quand il fuit un premier affrontement avec Godzilla, laissant ses mécaniciens se faire massacrer sous ses yeux sans intervenir. 

Allégorie de la société japonaise telle qu’elle se perçoit au lendemain de la guerre et incarnation de l’humiliation d’un pays entier mais aussi d’une certaine forme de résistance en refusant son rôle de kamikaze, Koichi ne pourra aller de l’avant et continuer à vivre qu’en se rachetant en affrontant l’autre face de ce double traumatisme, Godzilla en personne, gigantesque monstre incarnant à la fois la puissance et la terreur du nucléaire, créature tout droit sortie de la mer à la fois nourricière et source de toutes les menaces quand on vit sur une île. 

Ancré dans son époque, l’immédiat après-guerre, et volontiers critique vis-à-vis du gouvernement japonais et des institutions, Godzilla Minus One allie drame intimiste autour de la cellule familiale tour à tour détruite et reconstruite et des scènes de destruction massives caractéristiques de la saga. Des batailles maritimes aux affrontements terrestres, le nouveau film de Takashi Yamazaki fait la part belle à une créature plus iconique que jamais et parfaitement terrifiante dans son potentiel de destruction aveugle. 

Si le film aurait gagné à écourter certaines scènes plus intimistes autour de son personnage principal Koichi et de son trauma, il n’en reste pas moins un épisode majeur de l’une des franchises les plus emblématiques de l’histoire récente d’un pays entier.

Vermines

Entre franches réussites (Le règne animal, Mars Express) et incident de parcours (Acide), le cinéma de genre français continue cette année encore d’afficher une santé de fer et des ambitions à la hauteur de ses talents. 

S’il ne révolutionne pas le genre et n’arrive pas à renouveler l’impact émotionnel de la très nihiliste et éprouvante Tour de Guillaume Nicloux, Vermines se pose en honnête représentant du genre, soucieux d’offrir un spectacle sincère et foncièrement efficace. 

Alors que dans le film de Guillaume Nicloux les habitants d’un immeuble de banlieue confrontés à une menace extérieure cherchent à s’organiser pour survivre dans leur tour, c’est sur un principe inverse que s’organise le long métrage de Sébastien Vaniček. Face à un ennemi de l’intérieur, les protagonistes de Vermines n’auront de cesse d’essayer de fuir leur immeuble, et métaphoriquement leur condition sociale incarnée par la cité, pour échapper à une invasion d’araignées très vénères. 

Une fois passé l’immersion dans une communauté exubérante au vocabulaire fleuri où les invectives sont la base de tout dialogue (le personnage principal, Kaleb incarné à l’écran par Théo Christine, ne semble pas savoir s’exprimer autrement qu’en criant), on commence à s’attacher aux personnages et donc au sort qui leur sera réservé. 

S’ensuit alors un jeu de massacre et d’infiltration où de vilaines bestioles de plus en plus imposantes et agressives investissent les recoins d’un immeuble qui tombe en ruine et traquent ses habitants considérés comme une menace potentielle. Étonnement avare en effets gores, Vermines adopte le point de vue de ses protagonistes, les habitants d’une cité qui coexistent, se supportent ou s’entraident dans un mélange des cultures et une précarité sociale jamais éludés. 

Malgré un personnage central un peu caricatural dans sa propension à n’exprimer sa relation aux autres qu’au travers d’une colère permanente, Vermines emprunte les chemins balisés du film d’invasion de vilaines bébêtes en le transposant dans une cité de banlieue avec sincérité et réussite et en évitant de justesse un sous texte social trop appuyé. Sébastien Vaniček est à coup sur un réalisateur à suivre de prés.