Moulin

Il faut attendre une bonne heure, une mise en place un tantinet longue et laborieuse, et l’apparition du chef de la Gestapo de Lyon Klaus Barbie pour que le film aborde enfin son propos, celui de la confrontation entre deux hommes de pouvoir dont on ne connait que l’issue fatale. 

Car c’est bien là toute l’ambiguïté du film du hongrois László Nemes, partir d’un fait historique établi, les dix jours qui séparent l’arrestation à Lyon et la mort du chef de la Résistance française, et imaginer ce face à face dont on ne sait finalement pas grand-chose. 

En délaissant les atours du film de guerre à tendance paranoïaque inspiré par l’indépassable Armée des ombres filmé par Jean-Pierre Melville en 1969, le Moulin de László Nemes revêt une dimension presque symbolique portée par une réalisation épurée, l’interprétation toute en sobriété de Gilles Lelouche et la présence magnétique de l’acteur allemand Lars Eidinger dans un rôle que l’on imagine pour le moins éprouvant. 

Incarnation du mal dans tout ce qu’il peut avoir de séducteur et de manipulateur, le personnage de Klaus Barbie orchestre un interrogatoire au long court visant à briser un homme jeté dans la tourmente de l’Histoire et dont les secrets pourraient inverser le cours de la guerre. S’ensuivent alors des scènes d’une cruauté et d’une brutalité hallucinantes (le tortionnaire de la Gestapo cannibale), alternant avec une horreur la plupart du temps hors champ pour laisser au spectateur le soin de modeler ses propres cauchemars. 

Chantage, faux espoir, culpabilité, simulacre d’exécution, torture physique autant que psychologique, le chemin de croix de Jean moulin prend des allures quasi christiques face à un homme déshumanisé au point de s’élever au niveau d’un dieu face à ses victimes impuissantes. 

Malgré quelques longueurs et des choix scénaristiques discutables, le chassé-croisé avec la comtesse de Forez tire en longueur, ce Moulin tient moins du témoignage historique que d’une réflexion sur le mal et l’héroïsme ordinaire avec ce qu’il comprend de sacrifices et de compromissions. Le traitement de l’un des personnages les plus iconiques de la Seconde Guerre Mondiale est discutable mais le propos reste passionnant.

Karma

Tout commence en Espagne où Jeanne, une Française un peu perchée trop portée sur la bouteille, noue des relations de plus en plus fusionnelles avec son filleul âgé de six ans. Lorsque l’enfant disparait et que Jeanne s’enfuit en France pour retrouver la communauté au sein de laquelle elle a grandi, les évènements se précipitent et des secrets depuis trop longtemps enfouis remontent brutalement à la surface. 

Il faut reconnaitre une chose à Guillaume Canet, c’est sa volonté d’aborder le thriller par les chemins de traverse, ici le quotidien parfois franchement glauque d’une secte en milieu rural, et de coller à une réalité d’autant plus glaçante qu’elle parait crédible. 

Des séances d’éducation collectives aux punitions publiques en passant par des simulacres de messes et des humiliations à vertus rédemptrices, le film bascule dans sa seconde moitié dans la perversion la plus éprouvante par l’entremise d’un gourou aussi immonde que charismatique. 

Servi par une photographie austère en résonnance avec son propos et porté par une distribution parfaite dominée par un Denis Ménochet une fois encore hypnotique et une Marion Cotillard toute en retenue, Karma (drôle de titre dont on cherche encore la signification soit dit en passant), s’il n’échappe pas aux retournements de situations convenus et à quelques ficelles scénaristiques discutables, reste un thriller d’excellente facture qui se donne les moyens de ses ambitions.

Kraken

Le combo film d’horreur français de banlieue pouvant accoucher du meilleur (La Tour de Guillaume Nicloux) comme du pire (la liste serait trop longue), on était en droit d’accueillir Kraken avec les réserves d’usage, et le résultat n’en est que plus surprenant. 

Sans révolutionner les codes du genre, un tueur quasi indestructible, un groupe de victimes en devenir, un lieu clos, le film du duo Mohamed Chabane et Théo Jourdain Rhodes assure le spectacle avec une réalisation soignée, un casting tout à fait correct et un parti pris audacieux. 

Avec une utilisation astucieuse de son décor urbain et une alternance des vues à la première personne par caméra interposée façon found footage (on pense régulièrement à Rec), des filtres Snapchat et des plans caméra à l’épaule, Kraken nous entraine dans les entrailles de sa tour infernale plantée au milieu d’une banlieue qui, une fois n’est pas coutume, ne sert pas de décor à un énième discours misérabiliste. 

En jouant la carte de l’humour avec le personnage de Marvin incarné par Bilel Chegrani en trublion sous tension, les réalisateur désamorcent régulièrement les scènes tendues par ailleurs surlignées par des effets gores très (trop) exposées. Ce que le film perd en rugosité et en noirceur il le gagne en respiration. 

Mais le choix d’écriture le plus surprenant concerne certainement le personnage du tueur. Plutôt que d’en faire une incarnation du mal absolu à l’image d’un Michael Myers dans Halloween, ou du Maniac Cop de Willima Lustig pour rester dans la thématique du film, Mohamed Chabane et Théo Jourdain Rhodes optent pour une explication plus humaine qui brouille les cartes et rend la frontière entre bons et méchants d’autant plus floue. 

Pas de manichéisme donc dans ce film d’horreur respectueux du genre, bien troussé, et suffisamment efficace pour mériter que l’on s’y attarde deux heures durant.

Resident Evil

Auréolé par le récent succès d’Evanouis, Zach Cregger reprend les rênes de la saga d’horreur vidéoludique maintes fois adaptée et tout autant malmenée par un Paul W.S. Anderson en roue libre. 

Tient-on enfin la transcription tant attendue sur grand écran de l’une des pierres angulaires du jeu vidéo horrifique ? Rien n’est moins sûr et ce n’est pas le plus important. 

S’il respecte les codes de progression des Resident Evil, par ailleurs très différents d’un épisode à l’autre, avec des lieux emblématiques à explorer (la ferme abandonnée, les égouts, la ville en feu, l’hôpital) et une montée en gamme des équipements mis à disposition du protagoniste principal (pistolet, fusil de chasse, fusil d’assaut), s’il multiplie les clins d’œil aux fans (ho une machine à écrire, ho un chien mutant, ho une vue à la première personne), le réalisateur ne fait qu’effleurer une mythologie bien trop vaste pour être condensée en une heure trente et précipite le dénouement lié à Umbrella Corportion en quelques scènes hâtivement mises bout à bout. 

Sans tomber dans le piège de mettre en scène l’un des personnages culte de la saga, ce qui aurait était pour le coup extrêmement risqué sinon suicidaire, Zach Cregger oscille constamment entre le désir à peine voilé de livrer une comédie horrifique dans la lignée d’Evil Dead, et la peur de dévoyer l’esprit même de la série et par là même s’attirer les foudres des fans de la première heure. 

Cela fait il de ce Resident Evil cuvée 2026 un mauvais film ? 

Absolument pas tant on prend un réel plaisir à suivre Bryan, prototype même du anti-héro dépassé par les évènements, au cours d’une nuit cauchemardesque à l’issue pour le moins dantesque. 

Rythmé, porté par des effets spéciaux plutôt réussis et une atmosphère de survie permanente, Resident Evil égrène les jump scare efficaces et des scènes suffisamment marquantes pour se démarquer du tout venant des productions horrifiques actuelles. D’une pluie d’infectés tombant du haut des immeubles à un mutant agglomérant ses victimes en un puzzle macabre, Resident Evil se montre généreux et sincère, démontrant une fois de plus qu’à de rares exceptions prés (le Silent Hill de Christophe Gans) le jeu vidéo se suffit à lui-même et ne se plie que difficilement au format d’un long métrage.

The Dog Stars

Vendu de prime abord comme un film d’anticipation post apocalyptique, la dernière œuvre de Ridley Scott, 88 ans au compteur et plus que jamais le pied au plancher, ne se résume pourtant pas à ses scènes d’action, loin s’en faut. 

C’est avant tout son parti prix contemplatif qui retient l’attention, le choix de larges plans aériens pour embrasser une nature enfin livrée à elle-même et l’interprétation fantomatique d’un Jacob Elordi presque transparent dans le rôle d’un passeur entre deux mondes qui n’arrive pas à échapper à son passé. 

Si le scénario n’évite pas quelques poncifs, les vieux (Josh Brolin, Guy Pearce) grincheux, méfiants, repliés sur eux même et ancrés dans le monde d’avant s’opposant de façon assez évidente à la génération suivante (Jacob Elordi, Margaret Qualley) plus ouverte aux autres et désireuse de découvrir le monde ou du moins ce qu’il en reste, le réalisateur britannique souffle constamment le chaud et le froid en alternant des scènes d’une noirceur sidérante (la réalité glaçante derrière l’utopie de Grand Junction) et des séquences bucoliques d’une communauté amish ou assimilée flirtant avec une naïveté non feinte. 

Entre les deux nous voyageons en compagnie de Hig et de son chien parmi les ruines d’un monde abandonné peuplé de hordes de survivants donnant lieu à des scènes d’assaut d’autant plus marquantes qu’elles sont utilisées avec parcimonie.

Tour à tour nostalgique, utopique, glaçant voir carrément horrifique, The Dog Stars s’inscrit parmi les œuvres qui font dates pour parler du monde d’après (La route ou Le livre d’Eli pour ne citer qu’eux), bien aidé par une distribution trois étoiles, même si l’on peut déplorer le manque d’épaisseur du personnage de Cima interprété par Margaret Qualley. 

Comme Georges Miller en son temps avec Mad Max 2, Ridley Scott ne peut se résoudre à faire triompher une barbarie pourtant bien réelle. Il restera toujours une pulsion de vie, un espoir au milieu des ruines et des cadavres, celui de construire une société nouvelle et d’aimer de nouveau sans oublier ni renier son passé.

De la Comédie-Française

Débuter le film par la scène la plus réussie qui se trouve être également le fer de lance de la bande annonce c’est prendre le risque de décevoir par la suite, et c’est l’un des travers que n’évite pas cette comédie par ailleurs bien troussée sur les coulisses de la Comédie-Française. 

Suite à une première séquence quasi surréaliste portée par les excellents Guillaume Gallienne et Pauline Clément qui laissait augurer un humour absurde et décalé, De la Comédie-Française se cale sur un style quasi documentaire pour explorer les dessous d’une première et d’une manière plus générale de la façon dont on monte une pièce de théâtre. Après un tour d’horizon des différents personnages, l’intrigue aligne les galères assumées avec un calme olympien par une Pauline Clément qui reste la véritable révélation de ce film choral. 

Malgré quelques fautes de goût dont le personnage de Nadine en mamie fumeuse de joint déjà vue cent fois, De la Comédie-Française se révèle une très bonne surprise grâce à la complicité évidente d’une troupe soudée autant par l’amour du théâtre que par les embuches rencontrées au cours des trois heures précédent le levé de rideau. 

Jamais hautaine, jusque dans sa durée ramassée sur une heure quinze, la comédie de Martin Darondeau et Bertrand Usclat joue bien évidemment avec les stéréotypes et pêche parfois par le caractère répétitif de l’action, mais a le mérite de dépoussiérer avec un goût de l’auto-dérision bienvenu une institution que l’on n’a jamais vue d’aussi prés.

L'Odyssée

Un homme supérieurement intelligent manipulé par des forces qui le dépassent va, en brisant une loi ancestrale, faire basculer le monde dans lequel il vit dans une ère totalement nouvelle. Ce pourrait être J. Robert Oppenheimer, ce pourrait être Ulysse. 

Mais au-delà de l’appropriation thématique du texte d’Homère, c’est à un véritable tour de force que se frotte Christopher Nolan pour cette nouvelle entreprise titanesque, celui d’adapter une épopée fondatrice de bien des mythes modernes, l’un si ce n’est le récit d’aventure le plus célèbre du monde. 

Si cette Odyssée frôle la démesure par biais des aspects dont celui d’un tournage épique sur plusieurs continents et d’une pléiade d’acteurs de premiers plans, elle n’en reste pas moins cantonnée aux limites d’un film distribué en salle dont la durée, pas loin de trois heures tout de même, implique de faire des choix drastiques et donc des renoncements. 

On regrettera entre autres l’absence de dialogue entre Ulysse et Polyphème le cyclope ainsi que des sirènes aperçues de loin et qui restent pourtant parmi les monstres les plus fascinants d’un bestiaire déjà bien fourni. D’une manière générale, le réalisateur écarte d’emblée tous les aspects ayant trait au désir féminin pourtant bien présent dans le texte d’Homère. 

Exit les sirènes alors, mais également la sensualité de Calypso qui retient Ulysse dans ses bras pendant sept longues années pour en faire son compagnon autant que son amant. 

Pas de séduction donc, mais un spectacle à la hauteur des ambitions de son réalisateur porté par une distribution spectaculaire qui, en dépit d’un Robert Pattinson à la limite du cabotinage, déroule chacun(e) dans son rôle une partition sans fausse note. 

Alors certes Christopher Nolan choisit de faire d’Ulysse un homme dépassé par les évènements qui provoque à son corps défendant le massacre d’un peuple et la disparition d’un monde en brisant les lois éternelles de l’hospitalité plutôt que le guerrier manipulateur décrit par Homère. Certes il faut connaitre un temps soit peu le texte d’origine ainsi que l’Iliade pour appréhender le contexte du film et les interactions entre les différents personnages. 

Il n’en reste pas moins que les efforts de Christopher Nolan pour rendre accessible une épopée vieille de dix siècles et de nous offrir autant de morceaux de bravoures se trouvent récompensés par un succès publique massif. Preuve en est que les histoires, lorsqu’elles sont bien racontées, demeurent éternelles.