Hokum

Avant même de se rendre en Irlande pour disperser les cendres de ses défunts parents, Ohm Bauman est en proie à d’étranges visions alors qu’il écrit la fin de son dernier roman. Les différents protagonistes croisés aux alentours d’une auberge réputée hantée par une mystérieuse sorcière vont constituer pour lui les pièces d’un puzzle dont la révélation finale, mêlant culpabilité personnelle, folklore local et machination criminelle, va le précipiter au bord de la folie. 

C’est d’ailleurs la principale force du troisième long métrage de Damian McCarthy que de mêler le lourd secret d’un romancier miné par son passé avec les agissements de personnages peu recommandables et une horrible légende de plus en plus palpable pour en tirer un film à l’atmosphère trouble et à de multiples reprises franchement effrayant. 

Jouant à fond sur les effets visuels, et notamment le hors champs et les ténèbres, et auditifs avec une bande son savamment travaillée, le réalisateur apporte un soin tout particulier à son environnement et aux décors pour créer une atmosphère propice à installer ce climat de terreur d’autant plus progressif que le romancier interprété par Adam Scott progresse dans une enquête où se mêlent passé et présent, menace réelle et peur fantasmée, matérialisation de sa propre culpabilité et folklore horrifique. 

Déjouant les codes usuels de mise en scène et de progression du récit par des ruptures de tons parfois déconcertantes (le romancier Ohm Bauman met plusieurs minutes pour dévisser une plaque rivée au mur afin de s’enfuir avant de buter sur la dernière visse et d’abandonner son projet), Damian McCarthy clôt son intrigue par une vision infernale que n’aurait pas renié Dario Argento pour sa trilogie des Mères.

Soigné dans sa mise en scène, sa direction artistique et son écriture, jouant autant sur une atmosphère d’angoisse que sur des jump scares parfois convenus, Hokum nous emmène par petites touches parfois imperceptibles (le reflet d’un visage blême sur une vitre) vers un cauchemar païen et un voyage intérieur pour un homme miné par le remord et en quête d’une rédemption aussi douloureuse que salutaire.

Juste une illusion

Grands pourvoyeurs de comédies plus douces qu’amères pour le cinéma français, Olivier Nakache et Eric Toledano livrent un film au concept marketing imparable : réunir dans une même salle de cinéma la génération des parents nostalgiques de leurs années d’adolescence et celle de leur progéniture curieuse de découvrir comment c’était à l’époque.

Basé sur leurs propres souvenirs d’enfance, Juste une illusion s’ouvre sur un musée à ciel ouvert dédié aux années 80 où rien ne manque, de la moindre marque de vêtement aux programmes télévisuels en passant par une bande son quasiment exhaustive des tubes du moment, enchaine avec une régularité de métronome une série de séquences dédiées à chaque personnage avec gags et clins d’œil à l’appui pour s’achever sur un final où (attention spoiler) tout finit bien dans une ambiance solidaire (Touche pas à mon pote), musicale (le concert de Téléphone) et résolument optimiste (les vidéos de vacances où tout le monde a l’air heureux).

Jouant à fond sur la nostalgie d’une décennie pas aussi riante que dans nos souvenirs communs, le film effleure une réalité économique compliquée pour en faire l’un des ressorts du film (le chômage du père de famille), jette un voile pudique sur la condition des femmes dans le monde du travail à travers l’ascension sociale à peine esquissée du personnage interprété par Camille Cottin et choisit résolument son camp, celui de la comédie inoffensive et bien-pensante, suffisamment rythmée pour que l’on ne s’ennuie pas une seconde, portée par un casting impeccable, une bande son et une reconstitution historique pensées pour une immersion immédiate en 1985, quitte pour cela à sacrifier quelques enjeux forts du film (le combat des époux Dayan pour retrouver ou accéder à un statut professionnel) et passer à la trappe des personnages haut en couleur, dont celui de Pierre Lottin,  faire valoir de Yves et Sandrine Dayan et dont on ne saura au final pas grand-chose d’autre. 

Il reste quelques scènes particulièrement savoureuses (le vidéoclub, les engueulades entre Louis Garrel et Camille Cottin, les apparitions de Pierre Lottin), un saut dans le passé que les moins de quarante ans n’apprécieront pas de la même manière que la génération des boomers et le pari de réunir des familles entières devant un grand écran, ce qui est déjà une belle réussite en soi.

Plus fort que moi

Quoi de mieux, d’un point de vue purement scénaristique, qu’une maladie dont l’une des manifestations, même si elle ne concerne qu’une infime partie des malades atteints du syndrome de Gilles de la Tourette, consiste à lâcher aux moments les moins opportuns les pires injures sans aucun filtre moral ? 

Et qui de plus doués que les Britanniques pour mettre en image un drame social teinté d’humour absurde oscillant constamment entre rires et larmes ? 

La rencontre entre le réalisateur Kirk Jones et l’histoire authentique de John Davidson qui, dans les années 1980, grandit avec une maladie socialement handicapante que personne ne connait encore et qui va au fil des années devenir le porte-parole des malades auprès des autorités de toutes sortes engendre ce que les comédies dramatiques anglaises font le mieux, un drame ancré dans une réalité sociale et une époque, traversé d’éclats de rires, de situations gênantes et d’une douleur d’autant plus profonde qu’elle reste incomprise pendant des dizaines d’années. 

Porté par un formidable Robert Aramayo entouré d’une floppée de solides interprètes, Plus fort que moi, s’il ne fait que survoler les ressorts d’une maladie complexe pour en exploiter les syndromes les plus spectaculaires, n’en reste pas moins un film salvateur, constamment sous tension dans l’attente d’une explosion verbale ou physique tantôt comique tantôt dramatique, qui nous promène d’une émotion à l’autre tout au long de cette vie hors normes d’un homme sommes toute ordinaire.

Good Luck Have Fun Don't Die

Trop, c’est le premier adverbe qui vient à l’esprit pour qualifier le nouveau film de Gore Verbinski. Trop foutraque, trop long, trop de références, trop perché. Et c’est justement de ce trop plein que nait une irrépressible sympathie pour un long métrage débordant de générosité, d’inventivité, de prises de position et de plaisir à l’état pur. 

Dans le viseur du réalisateur, les écrans dans ce qu’ils ont de plus aliénants. Réalité virtuelle, téléphones portables, intelligence artificielle, tout y passe pour dénoncer les dérives d’une société sous anesthésie préparant dans le confort d’un déni assumé des lendemains qui déchantent. 

Mais plutôt que d’opter pour le discours réactionnaire d’un boomer acariâtre, Gore Verbinski choisit de combattre le mal par le mal et d’utiliser cette même technologie pour illustrer son propos souvent décousu mais d’une clarté jamais démentie. 

Effets numériques et images de synthèses participent à un final complétement barré convoquant, entre autres totems, l’imagerie apocalyptique d’Akira. Des références de ce type, le film en est pétri et s’en nourrit en toute conscience, puisant aux sources de Terminator, Matrix, Un jour sans fin, Everything Everywhere All at Once et même Delicatessen des franchies Caro et Jeunet lors d’une scène d’amour elliptique figurée par les ressorts d’un sommier qui grince. 

L’histoire, entrecoupée de flash-backs tout droit sortis de Black Mirror dont le premier segment mettant en scène un couple de professeurs dans une école américaine vaut son pesant d’or, est portée par une distribution parfaite dominée par un Sam Rockwell constamment sur le fil et une Juno Temple en parfait sosie de la Winona Ryder de Stranger Things. 

Oscillant constamment entre oracle science-fictionnel, comédie pure, politique fiction et action débridée, Good Luck Have Fun Don't Die pourrait se résumer à un formidable doigt d’honneur face à la facilité avec laquelle nous cédons du terrain aux écrans. 

Loin de pourfendre la technologie en tant que telle (l’objectif de l’homme venu du futur n’est pas tant de détruire l’IA que de lui imposer des règles), le réalisateur fustige l’utilisation que nous en faisons, cet endormissement intellectuel aux conséquences encore imprévisibles comme l’étaient les alertes sur le réchauffement climatiques vingt ans plus tôt. 

Lucide quant à l’issu d’un combat perdu d’avance (?) comme le montre un final au pessimisme en demi-teinte, Gore Verbinski assume en ce sens un esprit punk salutaire et revigorant. Le bateau coule, nous en sommes tous responsables mais on continue de ramer, envers et contre tout.

 

Wedding Nightmare : deuxième partie

Hasard du calendrier ou flemme des scénaristes, la suite directe du Wedding Nightmare de 2019 sort à quelques semaines d’intervalle du film de Kirill Sokolov They will kill you avec lequel il présente plus d’une similarité. 

Une héroïne badass obligée d’affronter contre son gré une secte d’adorateurs du démon, l’irruption d’un sœur abandonnée quelques années plus tôt, un lieu clos dont il faut s’évader, un mélange de gore débridé et de comédie horrifique, et enfin des seconds rôles emblématiques, Heather Graham et Patricia Arquette pour They will kill you, Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood et David Cronenberg qui semblent s’amuser comme des fous pour Wedding Nightmare : deuxième partie. 

Mais là où le film de Kirill Sokolov s’enfermait dans une boucle répétitive en massacrant trois ou quatre fois les mêmes protagonistes, Matt Bettinelli-Olpin et Tyler Gillett réussissent, avec l’introduction du personnage de Faith incarnée par la pétillante Kathryn Newton, à compenser l’effet de surprise du premier épisode et redynamiser ce qui s’apparentait jusqu’alors à une sympathique série B. 

Nous voilà donc repartis aux coté de Grace et de sa sœur pour un réjouissant jeu de massacre face à une communauté de puissants aussi riches et influents que dépravés. Et au-delà d’un jeu d’acteurs en tout point réjouissant, de dialogues qui font mouche (ce qui manquait cruellement à They will kill you) et de mises à mort toujours plus funs (mention spéciale à la machine à laver), les réalisateurs réussissent, par un jeu maitrisé d’écriture et de mise en scène, à faire aussi bien exister chaque membre des différentes familles avec leurs singularités et leurs oppositions, que le couple dysfonctionnel incarné par les sœurs MacCaulley. 

Au terme d’un final apocalyptique directement issu d’un croisement improbable entre les productions Hammer et la trilogie des Mères de Dario Argento, on quitte la salle et Grace le sourire aux lèvres, en se demandant si elle arrivera enfin à fumer tranquillement cette satanée cigarette.  

They will kill you

They will kill you ne mise pas tout sur son scénario, c’est le moins que l’on puisse dire. Tout commence au Virgil, un mystérieux hôtel qui pourrait être l’exact opposé du Continental cher à John Wick. Ici tout est permis pour survivre, c’est ce que va expérimenter Asia Reaves, une jeune femme tout juste sortie de prison à la recherche de sa jeune sœur. 

A partir de là, l’histoire nous est distillée par chapitres mais c’est surtout à un incroyable jeu de massacre que nous convie le réalisateur russe Kirill Sokolov. 

Puisant à de multiples références aussi bien visuelles que contextuelles, de Kill Bill à The Raid en passant par Nuits de cauchemars, They will kill you enchaine les mises à mort brutales et graphiques, la chorégraphie du premier combat entre Asia Reaves et ses agresseurs dans sa chambre est d’ailleurs particulièrement réussie, avant de s’enfermer dans un cycle répétitif du fait même des ennemis que la jeune femme doit affronter. 

Passant assez rapidement du home invasion à la comédie horrifique, puis au délire le plus total, voir à ce sujet la poursuite effrénée entre l’œil de l’infortunée mais coriace Heather Graham et le personnage interprété par Zazie Beetz, They will kill you se clôt dans un foutoir général, un pandémonium sous stéroïde et influence des films de kung-fu où plus rien n’a d’importance, et surtout pas les multiples sévices subis par des protagonistes visiblement invincibles. 

Si le film lorgne vers l’énergie et l’esprit subversif des premiers longs métrages de Peter Jackson et Sam Raimi, il souffre néanmoins d’une pauvreté de dialogues d’autant plus préjudiciable que la plupart des scènes appelaient des punchlines bien badass pour faire mouche. 

Jouissif au dixième degrés, généreux et animé des meilleures intentions, They will kill you finit néanmoins par tourner en rond en nous laissant aussi épuisé que dubitatif devant une telle débauche d’énergie.  

Marty Supreme

S'il y a bien une chose que l’on ne peut pas reprocher à Marty Mauser, c’est de ne pas lâcher l’affaire. 

Jeune juif new-yorkais dans l’Amérique de l’après-guerre, Marty Mauser est convaincu de son destin hors du commun qu’il fera tout pour accomplir. Il aurait pu devenir arnaqueur, gigolo ou bateleur (il sera un peu tout cela à la fois), mais c’est dans une carrière de pongiste professionnel qu’il se lance à corp perdu, faisant fi de tous les obstacles et prêt à tous les sacrifices pour parvenir à ses fins.

S’ensuivent alors neuf mois de la vie de Marty Mauser, le temps d’une grossesse, que l’on pourrait croire filmés en temps réel malgré les deux heures trente du film tellement s’accumulent les péripéties d’un personnage en perpétuel mouvement. 

Car c’est bien ce qui caractérise Marty Mauser incarné par un Timothée Chalamet omniprésent et en totale fusion avec son rôle, cette énergie perpétuelle et débordante, communicative et éreintante d’un homme tour à tour charmeur et agaçant persuadé d’avoir rendez-vous avec l’histoire. 

A la fois comédie, film de sport et d’ascension, chronique d’une Amérique en pleine effervescence après le choc de la deuxième Guerre Mondiale, course contre la montre et portrait d’un homme pressé, le film de Josh Safdie s’offre de surcroit le luxe d’une floppée de seconds rôles que l’on imaginerait plus dans la grande famille de Scorcese que de celle de Woody Allen, parmi lesquels Abel Ferrara s’offre une interprétation qui restera dans les mémoires. 

Il faudra attendre le dernier plan d’une épopée intime vécue à cent à l’heure pour que Marty Mauser se laisse enfin submerger par une vague d’émotion communicative et que les spectateurs reprennent leur souffle.