Chasseurs de dragons

Ce film prouve si besoin était que l’animation française peut sans rougir soutenir la comparaison avec les meilleurs productions américaines, Pixar en tête.

Si son sujet et sa trame n’ont rien d’exceptionnellement original (une petite fille s’entiche de deux prétendus chasseurs de dragons maladroits afin de sauver le royaume de son oncle, ces derniers révéleront aux travers des épreuves des qualités qu’ils ne soupçonnaient pas), c’est le traitement du film qui en fait son originalité et sa valeur.

Chasseurs de dragons est clairement un film sous influences multiples. On pense tout d’abord aux jeux vidéos et aux jeux de plateau d’héroïc fantasy en suivant le parcours de ce groupe hétéroclite formé d’un barbare au grand cœur, d’un maigrelet calculateur, d’une petite fille aussi bavarde qu’attachante et d’une espèce de chien bleu aux oreilles de lapin. Avant la confrontation finale avec le mangeur de mondes, ils devront traverser des mondes aussi différents que dangereux et affronter des dangers multiples. L’originalité et la beauté du monde en apesanteur dans lequel ils évoluent renvoient aussi bien à l’univers des Final Fantasy que du Château dans le ciel de Miyazaki. Enfin, c’est surtout le ton employé qui fait de Chasseurs de dragons un spectacle qui ravira aussi bien les enfants que les adultes.

Le second degré et le refus des conventions sont omniprésents. Une fois son monde sauvé, l’oncle ne se montrera pas reconnaissant mais au contraire aussi dédaigneux que les paysans qui se moquaient de nos héros au début, et peu enclin à chérir sa nièce. Et malgré une traditionnelle fin heureuse, comment ne pas voir un dynamitage des happy end de Disney dans cet univers final peuplé de verdure et de lapins ahuris qui flottent dans le ciel ?

On pourra reprocher au film une lecture parfois malaisée des scènes d’actions un peu brouillonnes, mais Chasseurs de dragons est à la fois un hommage sincère à toutes ses influences, un spectacle efficace et formellement superbe qui parle aux enfants en ne les prenant pas pour des demeurés (notamment lorsque l’un des chasseurs confie à la petite fille sa crainte qu’ils ne meurent tous), et un renouveau salutaire du film d’animation français.

Crimes à Oxford

Alex de la Iglesia, cinéaste espagnol agité à qui l’on doit des films aussi secoués que Accion Mutante ou plus récemment que le Crime Farpait, signe ici un film, en apparence, plus sage et conventionnel.

En apparence seulement et c’est ce qui nous fait regretter ce que nous aurions pu voir si le réalisateur avait donné libre court à son penchant pour la méchanceté et la monstruosité.

Crimes à Oxford est traversé de ces éclairs dérangeants propres au réalisateur. Que ce soit dans la représentation de la monstruosité physique au travers d’un homme tronc qui s’est lui-même lobotomisé, de personnages dérangés comme l’homme incarné par Dominique Pinon, ou de bouffées de méchanceté lorsque un car entier de trisomiques s’écrase et brûle.

Malheureusement, le film n’est que l’ombre du polar mathématique pervers qu’il aurait pu être et son énergie potentielle ne transparaît vraiment qu’au travers de flash back et de quelques personnages hauts en couleur. Il en reste une intrigue que l’on suit sans déplaisir mais sans réel passion, un rythme trop lent jusqu’à une fin assez savoureuse où le réalisateur s’intéresse davantage au processus qui conduit au meurtre qu’à la nature du meurtrier lui-même.

Pas de fin heureuse donc, puisque le héros incarné par Elijah Wood sacrifiera son aventure amoureuse au profit de son obsession pour le professeur incarné par John Hurt. Lequel, par un retournement de situation psychologique, inversera les rôles entre accusé et juge, démontrant ainsi que toute action ou parole a des répercussions dont on ne mesure pas toujours les conséquences (le fameux battement d’aile du papillon).

Mais ce qui ressort de Crimes à Oxford est aussi et surtout la fabuleuse présence de Leonor Watling. Malgré un rôle assez secondaire, Alex de la Iglesia filme son actrice avec intelligence et en fait ressortir toute la sensualité qui éclate à l’écran. Rien que pour cela, le film mérite amplement le détour.

Be kind rewind

Michel Gondry, bricoleur de génie, signe avec ce film un véritable manifeste pour le cinéma participatif et créatif.

Jack Black et Mos Def incarnent deux copains un peu en marge, l’un est une sorte de geek parano qui aurait toute sa place aux cotés de Fox Mulder, l’autre un garçon simple qui assure comme il le peut le remplacement de son patron et père adoptif au sein d’un vidéo club. Ce magasin un peu désuet qui ne propose que des VHS est la cible de vilains promoteurs immobiliers qui le remplaceraient bien par un immeuble plus présentable.

Lorsque le premier tente de saboter une centrale électrique et qu’il devient électro magnétique, il efface malgré lui toutes les cassettes. Les deux compères décident alors dans l’urgence de refilmer à leur manière et avec les moyens du bord les films loués par les clients. Le succès est tel que très vite la situation prend des proportions de phénomène culturel et contamine tout le quartier.

Be kind rewind est clairement un film générationnel (ceux qui n’ont pas été au cinéma dans les années 80 et 90 risquent de passer à coté de beaucoup de choses), une déclaration d’amour au cinéma et une incitation à se réunir pour partager un projet. Gondry ne se fait pas le chantre des films amateurs diffusés sur U Tube ou autre portail de vidéos que l’on regarde chez soit (souvent seul) devant son écran. Ce qui l’intéresse, ce sont avant tout les gens qui se rencontrent, partagent et créent ensemble.

De même, son film n’est pas comme on pourrait le croire un pamphlet contre les grosses productions américaines dont le budget est inversement proportionnel aux idées. En effet, il « suéde » aussi bien Miss Daisy et son chauffeur (en mettant d’ailleurs l’accent sur le caractère condescendant du film à l’égard des noirs) que Rush Hour 2.

Be kind rewind est un hommage non pas au film mais à ce qu’il en reste une fois que l’on sort de la salle. C’est l’imaginaire suscité par le cinéma qui est au centre de son œuvre, le film que l’on se fait dans sa tête des années après avoir vu l’original au cinéma, et qui est souvent assez éloigné de ce que l’on a effectivement vu. Comme à son habitude, Michel Gondry parvient à combiner inventivité, humour (le remake de Ghostbusters est d’ors et déjà culte), clins d’œil, nostalgie et réflexion. Ses films, qui paraissent fait de brics et de brocs, recèlent des trésors d’humanité.

Peur[s] du noir

Film atypique dans le paysage cinématographique français, Peur[s] du noir est un ensemble de courts métrages en noir et blanc sur le thème de la peur, ou plutôt des peurs.

Loin d’être une contrainte pour les différents auteurs, la plupart provenant de l’univers de la bande dessinée, ce cahier des charges exacerbe au contraire l’imagination de chacun qui, dans son univers particulier, livre autant de bijoux tant par la forme que par le sujet traité.

Que ce soit par le biais d’un film reprenant l’esthétique du manga, du comics américain ou de la bande dessinée européenne, chaque segment illustre à merveille des scénarii qui semblent sortis d’un épisode de la Quatrième dimension ou de Tales from the crypt.

Les différents segments de cet ensemble sont ponctués par une histoire cruelle illustrée par Blutch et par la voix de Nicole Garcia qui, sur le thème « j’ai peur de… » nous propose une illustration décalée, caustique et contemporaine de ce thème.

Les sujets traités abordent tour à tour la folie meurtrière, une maison hantée, des fantômes, un monstre qui hante un marais et une incroyable métamorphose. L’originalité et la cohérence de l’ensemble n’empêchent en rien chaque auteur de s’exprimer et de nous proposer son univers propre. La chute des histoires, ou plutôt l’absence de chute et des fins souvent ouvertes pourront laisser au spectateur une impression trouble de ne pas être aller au bout du dénouement et d’avoir louper quelque chose.

C’est souvent ce sentiment d’incompréhension, d’inaboutissement que laissent les cauchemars, et ce n’est pas le moindre mérite de ce film que de nous y plonger avec délice.

John Rambo

John Rambo est de retour ! A l’image de Rocky, son autre personnage emblématique, Stallone clôt (?) de façon magistrale la saga qui l’a fait connaître.

Le film débute de façon assez classique par la présentation de Rambo qui coule des jours paisibles en capturant des serpents venimeux dans le nord de la Thaïlande. Cette retraite sera bien sur interrompue par l’appel à l’aide d’un groupe d’humanitaires emprisonnés et torturés en Birmanie. D’abord réticent et sceptique quand à l’action de ceux qu’il considère comme des utopistes (Vous avez des armes ? Non ? Alors vous ne changerez pas les choses), Rambo se décide finalement à rejoindre un commando américain pour tacher de sauver ceux qui peuvent encore l’être. Et par la même occasion massacrer un régiment entier de soldats birmans avec l’aide des rebelles Karen.

Car John Rambo est avant tout un film de guerre d’une incroyable sauvagerie, à la limite du film gore. Décapitation, fusillade à la mitrailleuse lourde, tout y passe dans des gerbes de sang et de boue. Certes, le film souffre de facilités scénaristiques qu’il est difficile d’ignorer. Les soldats birmans sont des sauvages violeurs et sadiques, leur chef est un tortionnaire pédophile et les rebelles sont de vaillants soldats qui défendent les villageois opprimés avec l’aide des civils humanitaires pétris de bonnes intentions.

Le contexte politique est brossé de façon pour le moins rapide et simpliste, on se croirait revenu au Rambo 3 de l’Afghanistan. Sans compter les membres du commando dont les personnages sont tout juste survolés. Mais ces quelques maladresses assimilées (un message au début du film prévient que les évènements décrits ne représentent en rien la situation actuelle en Birmanie), il reste un film incroyablement efficace, emprunt d’une rage et d’une sauvagerie jusque là rarement vues à l’écran.

En contrepoint de ce voyage au bout de l’enfer, Stallone termine son film par une image emprunt d’un calme et d’un apaisement surprenant. John Rambo rentre chez lui, tel un Ulysse moderne qui, après un long voyage parsemé de guerres et de violence, retrouve sa demeure. Le sourire qu’il affiche alors en retrouvant sa patrie boucle une saga guerrière qui débutait quelques dizaines d’années avant dans le même pays. Mais cette fois le combattant n’est plus en colère, il aspire à une vie tranquille loin du bruit et de la fureur des hommes. Jusqu’à la prochaine fois ?

Sweeney Todd

En adaptant une comédie musicale de Broadway à son univers si particulier, Tim Burton signe là l’un de ses films les plus sombre depuis Batman’s Return.

Graphiquement d’abord, la pellicule qui semble délavée donne à l’image un rendu proche du noir et blanc qui accentue la noirceur des merveilleux décors du film et les teints blafards des personnages.

L’histoire ensuite, qui suit la vengeance d’un barbier injustement envoyé au bagne et dépossédé de sa famille et de son bonheur par un juge pervers. Sweeney Todd mêle allégrement comédie musicale et effet gore, cannibalisme et romance contrariée avec une cohérence certaine.

Les personnages enfin comptent parmi les plus retors de l’univers du cinéaste qui pourtant n’en est pas à son coup d’essai. Sweeney Todd, par delà son désir de tuer ses persécuteurs, en veut au monde entier et ne voit dans ses congénères qu’une masse de dégénérés tout juste bon à être transformés en tourtes ! Le juge se révèle être un être vicieux que n’aurait pas renié le marquis de Sade, quand à Mrs Lovett, elle ne rechigne pas à profiter de la situation pour renflouer son commerce, quitte à cuisiner et faire manger de la chair humaine à ses clients.

Sweeney Todd en est il pour autant une pièce maîtresse dans l’œuvre de ce créateur de génie qu’est Tim Burton ? Sûrement pas. Si la plupart des acteurs, novices en la matière, relèvent admirablement bien le défi du chant, il n’en reste pas moins que la comédie musicale demeure un genre difficile à aborder et qui reste, quelques exception mises à part, souvent un peu artificiel. Et puis le couple formé par le jeune marin et la fille de Sweeney Todd ainsi que leur idylle naissante et les chansons qui l’accompagnent détonnent complètement de par leur mièvrerie. La preuve en est que le réalisateur les abandonne carrément à la fin, sans que l’on sache ce qu’ils deviennent et sans que l’on s’en soucie le moins du monde.

Le film s’achève en effet sur un tableau aussi beau que tragique de deux amants enfin réunis dans le sang et la mort. Si Sweeney Todd n’est pas le nouveau chef d’œuvre de Tim Burton, il n’en demeure pas moins un film suffisamment beau et hors norme pour que l’on s’y arrête.

Death sentence

Death Sentence s’inscrit en droite ligne dans la tradition des films de Vigilante qui ont fleuri dans les années 70 – 80.

Du Droit de tuer (Exterminator) aux Justicier dans la ville, ces œuvre souvent brutales et sans concessions mettaient en scène des citoyens ordinaires qui, suite à un traumatisme infligés à eux même ou à des proches, décidaient de prendre les armes pour se faire justice eux même, et dans la foulée nettoyer le ville de quelques délinquants plus ou moins dégénérés.

Ici, Kevin Bacon incarne un père de famille tranquille et un citoyen américain que l’on devine model. Suite au meurtre de son fils aîné et devant la perspective d’une justice qui lui semble trop clémente, il décide de tuer le meurtrier. Le frère de ce dernier et son gang l’entraîne alors dans une spirale de violence destructrice et sans issue.

Le problème avec ce genre à part entière se trouve souvent dans une morale douteuse (œil pour œil) que le spectacle de sadiques, violeurs et dealers en tous genre se faisant allègrement massacrer ne parvient pas à totalement masquer. James Wan a l’intelligence de nous proposer à la fois un film d’action teigneux, un polar hard boiled à la violence sèche, et une réflexion pertinente sur la violence, l’auto justice et ses conséquences.

En effet, en faisant le choix d’emprunter la voie de la vengeance, Nick va par là même sacrifier sa famille et perdre tout ce qu’il lui restait d’humanité. C’est d’ailleurs ce que lui dit le chef de gang à la fin de leur règlement de compte, tu ressembles à l’un des notre. Contrairement à un Contre Enquête aux relents nauséabonds, Death Sentence n’exalte donc ni la légitime défense ni la violence. Il suffit pour s’en convaincre de voir l’état physique et psychologique de Nick à la fin de son épopée sanglante. Ses agresseurs, en le forçant à devenir aussi bestial qu’eux et à employer la même violence aveugle, ont remporté la vraie victoire.

Mais si Death Sentence incite à la réflexion, c’est avant tout à un film d’action puissant ponctué de scènes intenses où les coups font mal, où les décharges de fusil de chasse et de pistolets à gros calibres emportent les membres. La scène finale de fusillade dans l’immeuble abandonné, teintée d’une lumière rouge qui préfigure l’enfer qui va s’y déchaîner, est en cela un modèle d’efficacité. Ajoutons à cela la présence d’un John Goodman immense, à tous les sens du terme, et nous obtenons un film de genre réussi qui prouve qu’un spectacle efficace peut s’accompagner d’une réflexion intelligente sur un sujet on ne peut plus risqué.